Cinco Cerdo Mono

Perdón

2009-01-09T13:10:00.000-03:00

Aviso para Mega, informando su liderazgo en sintonía durante el 2008.

Esta es una de las propuestas presentadas. Al final quedó otra {salió el 31 de diciembre 08 en Las Últimas Noticias}, pero esta gustó mucho internamente.

Proximity Chile

DC: Alexis Avalos
RC: Julio Celis
DA: Marcelo Moya, Nannel Gacitúa

Cruce

2008-11-27T17:41:00.008-03:00

Montaje para un aviso de Jeep que nunca llegó a puerto {habían muchos de esos}.

Clica acá para ver el proceso

Jeep Experience: Invitación VIP

2008-04-27T17:13:00.008-04:00

Diseño de invitación para el evento Jeep Experience realizado en marzo de 2008. Este evento está pensado para que invitados VIP vayan a conocer el nuevo Cherokee y tengan la posibilidad de comprobar su desempeño en una pista off-road especialmente montada para la ocasión.

Estas imágenes corresponden a la primera propuesta, que equilibraba el glamour y la elegancia del evento junto al espíritu Jeep: off-road, aventura, desafío. Por muy top que seas, te vas a embarrar igual.

Las siguentes corresponden a imágenes de la propuesta aprobada por el cliente.

Detalle del mapa

Detalle del retoque

Agencia Proximity

Director Creativo: Rodrigo Briceño
Redactor Creativo: Claudio Ramírez
Dirección de Arte: Sebastián López, Marcelo Moya
Retoque: Sergio Muñoz

www.proximity.cl

Typoleras: Fuck CopyRights!

2008-04-13T12:53:00.005-04:00

Typoleras. Fuck CopyRights!, originally uploaded by El Melkor.

Esto es una especie de refresh al proyecto Typoleras del año pasado. Rescata la filosofía de respetar las licencias tipográficas, pero propone un giro entorno al mensaje, no así a la utilización de las tipografías como soporte del proyecto.

El mensaje es simple: Fuck CopyRights. La forma de comunicarlo es mediante la abstracción icónica y la ironización, registrando el marca registrada y restringiendo los derechos del mismo copyright. Algunas propuestas juegan con el soporte de la polera y su interacción con el usuario, haciéndolo partícipe del mensaje que comunica al hacer las veces de "pancarta humana".

Menta Studio Reel 07

2007-11-13T16:54:00.000-03:00

Menta es un estudio de diseño conformado por Andrea Blanche, Paulina Fuenzalida, Marcelo Moya y José Pinto. Este es nuestro reel de animación y prontamente se viene nuestro sitio web.

Salud{os}!

Dicotomía de los objetos

2007-11-13T15:33:00.000-03:00

No me refiero a los objetos en sí, sino al uso que se les da y más importante, la identidad que representan o son escogidos para representar. Los objetos son objetivos en transmitir lo que son: "soy un iPod, soy rectangular, con bordes redondeados, soy blanco, tengo una mitad metálica, una rueda táctil y una pantalla"; sin embargo, son los sujetos los que cargan a estos objetos de la siempre vapuleada subjetividad, que permite que cualquier cosa pueda ser posible y que es la manera más fome de defenderse en {y a la vez terminar} una conversación, donde un iPod deja de ser un reproductor de música y pasa a convertirse, y de paso convertir a su dueño en parte de una élite de estilo, coolness y buen gusto.

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No me refiero a los objetos en sí, sino al uso que se les da y más importante, la identidad que representan o son escogidos para representar. Los objetos son objetivos en transmitir lo que son: "soy un iPod, soy rectangular, con bordes redondeados, soy blanco, tengo una mitad metálica, una rueda táctil y una pantalla"; sin embargo, son los sujetos los que cargan a estos objetos de la siempre vapuleada subjetividad, que permite que cualquier cosa pueda ser posible y que es la manera más fome de defenderse en {y a la vez terminar} una conversación, donde un iPod deja de ser un reproductor de música y pasa a convertirse, y de paso convertir a su dueño en parte de una élite de estilo, coolness y buen gusto.

Los sujetos nos hacemos de objetos que nos representen y expresen nuestra identidad, desde nuestras zapatillas a nuestro reproductor de música. Estos objetos pueden ser, en algunos casos, los mismos para sujetos distintos y estos objetos ya dejarán de ser y de significar lo mismo. Un buen ejemplo es la ropa vintage, donde el pantalón del abuelito no significa lo mismo para el abuelito que para el joven lolo que lo adquiere, ni transmite lo mismo si uno u otro lo usa. Que extraño resulta que un objeto se mantenga igual y que a la vez cambie tanto.

Otra dicotomía, según yo, se da dentro de las categorías que propone David Readhead en "Productos del tiempo", según interpreta Juan Guillermo Tejeda en su "Diccionario Crítico del Diseño". Estas categorías son las de Básico y Más.

Básico se refiere a lo simple y esencial de los objetos, donde estos se sacuden todo lo sobrante y se presentan como sintetizados en su función. Es "el minimalismo, la ausencia de sofisticaciones derivadas o de detalle", en un mundo que bombardea información constantemente y en todas direciones.

Más se refiere a lo contrario: a la "superabundancia", el exceso, la acumulación de objetos, la veloz obsolescencia de los mismos, la vertiginosa cadena de consumismo, los desechos, etc. Bruno Munari, en su texto "Como Nacen Los Objetos" se refiere a algo similar: El Lujo.

"El lujo es la manifestación de la riqueza que quiere impresionar a quien es
pobre. Es el triunfo de la apariencia sobre la sustancia, sobre lo que realmente
importa. El lujo es ficción, es la utilización impropia de materiales costosos y
que no mejoran funciones. El modelo ya no es el lujo y la riqueza como
antiguamente. El lujo no es un problema de diseño."

Es curioso, al menos para mi, ver como se comportan las colecciones de objetos en distintos grupos socio económicos. Mientras la sofisticación apunta a la sobriedad, ambientes minimalistas de amplios espacios y aire visual, limitada gama de colores, control sobre la colección al momento de escoger que cosas la integran y que cosas no, etc; lo más popular se la juega por el colorido, lo recargado, la mezcla de tendencias y estilos, de materiales, lo errático de su distribución, etc. Es cosa de ver una tienda de Alonso de Córdoba y un bazar en Meiggs.

Qué causa esto? que provoca que una clase más alta opte por lo básico mientras que una popular opte por lo más? yo creo que tiene que ver con aparentar otro status mediante el show off excesivo y sinsentido, además de una falta de sentido estético que puede entenderse un poco mediante la definición de Vanguardia y Kitsch que da Umberto Eco en Apocalíticos e Integrados, donde la clase alta generaba la Vanguardia {en todo orden de cosas} que al tiempo de ser usada, decantaba hacia las clases más bajas, donde era reproducida y utilizada sin criterio definido, lo que transformaba este objeto que antes era de Vanguardia en un objeto Kitsch y de mal gusto. Ejemplo: los punteros láser. Mi viejo es dentista y fue profesor en Valpo. El año 98 fuimos a Europa y se compró un puntero láser en una tienda X, porque lo encontraba muy útil para dar clases y exposiciones. Le costó como $25.000, o algo así, barato no era. Ya el año 99 me acuerdo de haber ido al Festival de Viña y ver una de las primeras manifestaciones del ya clásico láser en el ojo del pobre Vodanovic. Vendían punteros láser en la cuneta a $1.500.

Este es un ciclo necesario para la producción de objetos nuevos y creativos, pues cuando la vanguardia se convierte en kitsch y las clases bajas acceden a tecnología que antes manejaba sólo la elite, la clase baja comienza a "escalar" en clases sociales; y como a la élite no le gusta compartir su escalón, entonces genera nuevos productos y tecnologías vanguardistas que los alejen de la clase baja hasta que esta vanguardia se convierta en kitsch y el ciclo vuelva a empezar. Así que la próxima vez que vaya al mall chino de San Diego, sea caritativo, compre algún regalito de pascua y colabore así con que el próximo Mac tenga pantalla multi-touch y funcione a base de proto-cultura.

Resizor

2007-10-23T17:59:00.000-03:00

En la Siggraph de este año, los científicos Shai Avidan y Ariel Shamir presentaron la tecnología llamada "Seam Carving for content aware image resizing", que se traduce algo así como "redimensionamiento de imagenes en función del contexto". Qué hace esta maravilla? permite adaptar imágenes a distintos medios de visualización, sin tener que cropear o escalar, manteniendo los elementos importantes de la imagen inalterados. Les quedará muchísimo más claro viendo este video:

Lo mejor de todo es que por increíble que esto parezca, en verdad es tecnología que está disponible AHORA. Vía Stock Xchang me entero que los buenos científicos ya han sido reclutados por Adobe para el futuro Photoshop CS4 y, mejor aún, que existe una aplicación stand-alone {sólo para Windows} y otra aplicación Web que pueden utilizar GRATIS desde ya!

Soy usuario Mac, así que no pude probar la versión descargable, pero estuve jugando un rato con la aplicación web y debo decir que sus resultados son bastante decentes:

Resizing:
_Original

_Resize 1

_Resize 2

Borrar
_Original

_Borrado

Fotos con CC propiedad de Chrissam42 y Hounddiggity

Como ven, esta última quedó un poco rara por la diagonal, pero nada que el buen PS no pueda solucionar. Hagan la prueba!

Mesa

2007-10-12T16:17:00.000-04:00

Otro trabajo para el Taller Art Direction. Ese costó más que todos, por simple que parezca {a todo el curso, no sólo a mi. Y también al profe Tejeda}.

El proyecto consiste en... poner una mesa. Hay que preocuparse de la "colección" de objetos que va sobre esta, la mesa misma, la iluminación, el drapeado {mantel y su disposición}, locación, trabajo de suelo, composición y gama cromática.

Ante la nebulosa de cómo hacerlo {hubo varias correcciones, todas infructuosas}, opté por hacer algo choro y lindo, nada más que eso. Casi una instalación. Así que tomé la mesa y la traté como una pieza de arte, como un cuadro, y la puse en la pared.
Este es el resultado.

Proyecto en conjunto con Carolina García.

Pd: que complicado es pegarse el salto del 2D al 3D!

Centro Cultural Monte Carmelo

2007-09-14T01:42:00.000-04:00

Para este ejercicio de dirección de arte, analicé el Centro Cultural Monte Carmelo (CCMC), ubicado en Bellavista. La primera aproximación fue en ánimo de observador y no de analista, por lo que recorrí sus pabellones y miré sus elementos, buscando por un hilo conductor común. Al rato, me de cuenta de ciertos criterios que rigen y ordenan todo el espacio como un conjunto. Los dividiré en 5 puntos: Corporatividad cromática, Texturas del suelo, Placas y viñetas, Iluminación y Miscelánea.

1. Corporatividad cromática: rojo, verde y blanco.

Esta paleta cromática no es al azar. Sin duda es la directriz de colores que entrega lo más llamativo del recinto: la Iglesia que se encuentra al fondo.

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Lo primero que salta a la vista cuando uno visita el CCMC es el obvio predominio del rojo en su estructura. Prácticamente todas las paredes exteriores están pintadas con un color rojo, que se ve especialmente tímbrico en un día nublado como el de hoy (tomé las fotos). Es el color principal y gracias a él, hace resaltar la locación respecto al contexto de la ciudad colindante, pues impresiona al espectador.
También son rojos los chalecos de polar que usan como uniforme los encargados del CCMC y el techo de los pabellones de exposición.

El paisaje general se ve salpicado de color verde, que es complementario del rojo. Este se encuentra en varios matices diferentes, a diferencia del rojo uniforme del plano macro del CCMC, pero aún así se percibe un uso conciente del color: el techo de zinc de la iglesia ubicada al fondo del CCMC es de un verde deslavado, desteñido por el sol, como también son las rejas de la entrada al recinto; otro verde, más oscuro y cuidado se encuentra presente en las bancas repartidas por la locación y además en los faroles que se ubican a lo largo del corredor, y un tercer verde lo aporta la naturaleza presente en el lugar.

En mi humilde opinión, la elección de este color es, más allá del carácter complementario respecto al rojo, la presencia inamovible del cerro San Cristóbal al fondo el paisaje, tras la Iglesia. Es una forma de mantener la coherencia del espacio con el contexto general de la ciudad.

El blanco actúa como descanso entre los dos colores. Está presente en marcos de ventanas, canaletas, puertas, etc., pero no entorpece con la percepción cromática general: la gente sale de ahí acordándose del rojo y del verde, no del blanco. Como dije, actúa como descanso entre colores. Donde sí cobra protagonismo es al interior de los pabellones de exposición, ya que al ser un color mucho más neutro que el rojo y el verde, es utilizado en las paredes sobre las cuales reposan las obras que se muestran.

2. Texturas del suelo:

Visual y táctilmente, demarcan las distintas áreas de tránsito dentro del CCMC.
La primera textura es la de la baldosa de la vereda, que es la que se encuentra cuando se está aún en "la calle", al exterior del CCMC. Al ingresar, la textura cambia y también el contexto: uno ya no está afuera, en la calle, sino que ha ingresado. Esta textura es la de adoquines, y se extiende por todo el patio central, que actúa como estacionamientos.

A los costados del recinto hay una elevación del terreno cubierta de baldosas rojas, que se extienden hasta el final del CCMC a través de un largo corredor. Estas baldosas "entran" también en el pabellón de exposición principal, invitando a entrar en ellos pues no se percibe un "cambio" que indique al espectador que está entrando a un área diferente, como ocurría en la entrada.

En otra sala de exposiciones, la extura del piso es de parquet. En mi opinión esto ocurre para diferenciarla en jerarquía respecto al pabellón anterior, pero puede ser sólo por motivos prácticos.

Frente a la iglesia encontramos otras 3 texturas: baldosas de color gris, con un diseño tipo op-art (que sin duda forma parte del suelo interior de la Iglesia), baldosas grises de material concreto, con un diseño de líneas paralelas en distintas profundidades y una placa metálica tipo "diamond plate", ubicada casi al llegar a los escalones que llevan nuevamente a los adoquines. Como ven, 5 texturas distintas, para 5 códigos distintos se interponen entre el visitante desde que entra hasta que llega al final del CCMC.

3. Placas y viñetas:

Posiblemente el punto en el que más conciencia de la dirección de arte tuvieron los encargados al implementarlas. Existen 3 placas en el exterior de los 3 pabellones principales del recinto, todas del mismo estilo.

Las viñetas de las obras para loas dos exposiciones en curso, también comparten criterios, aunque en la del pabellón principal existen viñetas explicativas que no encuentran homólogo en el otro pabellón.

4. Iluminación:

Interior: la iluminación de los pabellones de exposición es mediante lámparas halógenas de bajos watts, que cuelgan desde el techo sobre unos rieles. Se enfocan hacia las obras, de modo que puedan ser mejor observadas. Es homogénea sobre estas y menor sobre las zonas que no requieren de tanta atención, como las secciones de las paredes que quedan vacías y las esquinas. Están presentes en todos los pabellones, colgando desde la misma altura.

Exterior: hay tres tipos de iluminación: faroles decorativos y de ambientación. Los primeros corresponden a faroles verdes empotrados a lo largo del corredor del costado del CCMC. Tienen un estilo antiguo y son todos de color verde. Aunque al momento del análisis estaban apagados, es evidente que cumplen la función de iluminar el recorrido.

Los focos de ambientación están pensados para destacar ciertos sectores del CCMC, como la fachada de la Iglesia. Estos faroles están ubicados en el suelo y orientados hacia arriba, en una especie de contrapicado. Uno puede imaginarse que al estar encendidos, dramatizan las paredes de la Iglesia, otorgándole la presencia llamativa que de día entrega el vistoso color rojo que la recubre.

Otro foco de ambientación se encuentra en uno de los árboles de la entrada. Éste está recubierto por un filtro artesanal de color ámbar, que destaca el árbol pero no lo convierte en protagonista.

5. Miscelánea:

Por último, encontramos elementos que no encajan del todo del contexto general del CCMC, pero que no desentonan pues juegan papeles secundarios de ambientación general como son un viejo caruaje de metal y madera, altos ceniceros de madera, una placa conmemorativa del diario El Mercurio y una placa que narra la historia del Centro Cultural.

mgz

2007-09-07T15:46:00.000-04:00

Mangrazzo Magazine {MGZ} es una revista de carretes {fiestas, juerga, parranda para los colegas internacionales}, que hicimos con mis amigos, compadres y colegas Alberto Marcías, José Pinto y Jordi Casanueva para el Taller Art Direction de la Universidad de Chile.

La gracia es que la revista es que cada ejemplar debía utilizar a cabalidad un pliego de 60x80 cms, no podíamos utilizar ningún elemento compositivo {léase tipografías, imágenes, texto} si no teníamos las licencias, los derechos o los permisos y que los cargos de dirección de arte, dirección tipográfica y editor de contenidos tenían que ser administrados por separado para lograr un todo cohesionado y coherente, aunque obviamente todos hicimos de todo..

Todo el contenido es producido por nosotros, las imágenes fueron tomadas y/o producidas también por nosotros y las tipografías son de uso libre, excepto en dos piezas gráficas donde la tipografía se modificó para hacerla distinta al original y poder utilizarla.

{pieza gráfica personal para MGZ}

Pueden ver la revista completa de de modos:

VERSIÓN WEB

PDF DESCARGABLE {3.2MB}

Pd: el concurso del free pass se movió para la 1era semana de octubre!

Art direichtion

2007-08-30T21:46:00.000-04:00

Empecé este paper con la siguiente idea: "según el texto de Speer. Hitler era en verdad su propio director de arte, y que el resto del crew, como el mismo Speer eran sus asistentes personales, gente que él seleccionó con pinzas como los más indicados para que construyeran su imagen opulenta y magnífica, necesaria para conquistar el mundo". Me imaginaba que esto era algo así como Beethoven articulando manchitas en su pentagrama vacío, pensando en como iba a sonar su Novena cuando estuviera terminada, y como comenzaría con un llamado de atención para luego disminuir e ir In crescento hasta el clímax de su obra, tal como lo hizo Speer con la oficina de Hitler y todo el recorrido que le antecedía.

Pero eso lo pensó Speer, no Hitler, así que él no podría ser el director de Arte.
Ni tampoco Speer, porque él era el arquitecto.
Hitler era el director, Goebbels era el production designer, Speer era set designer y el cliente era el pueblo alemán.
Pero aún no sé quien es el director de arte.

En su calidad de director Hitler le pide a Speer una tarea titánica y virtualmente imposible, y acto seguido lo deja trabajar en paz. ¿Por qué? porque confiaba en él. No era secreto el trato especial de Hitler hacia Speer, condescendiente y comprensivo, colaborador y atento, mientras Speer lo trataba a él con desdén y displicencia, algo que ni al propio Goebbels le permitía. ¿Porque era así? porque Speer, no siendo el gran arquitecto de su época (tenía una conocida rivalidad con Hermann Giesler que lo superaba ampliamente en talento y creatividad), tenia el perfil que hoy en día la Art Directions Wiki plantea como los requisitos para ser director de arte:

"La mejor cualidad de Speer era su innata capacidad organizativa, su férrea voluntad para el logro de metas y su especial talento por las estadísticas."

La verdad es que ya llegando al final del paper no me queda bien en claro aún quien era el director de arte del Tercer Reich. Tiendo a pensar que fue Goebbels, pero me cuesta dimensionar cómo es que pudo coordinar todos los aspectos de la imagen del Führer para que se articularan de forma tan coherente... ¿cómo lograría influenciar de tanto a Speer que este, uno de los más grandes aciertos de su carrera, construyera un balcón en la Cancillería de Berlín? Fue sólo un acierto azaroso que hoy interpretamos como intencional o estaba todo meticulosamente pauteado y calculado durante el Tercer Reich? ¿Y quién lo coordinaba? Porque si la respuesta es Hitler, al menos a mi me resulta escalofriante.

Por último, algo más para pensar: los grandes personajes de la historia siempre han dejado tras de sí grandes obras materiales para ser recordados:
Ramsés realizó grandes construcciones, incluido el templo más grande perforado en roca, Abu Simbel, una serie de faraones construyeron las pirámides, los romanos dejaron templos, caminos, acueductos, Alejandro Magno construyó Alejandría, el Faro y la Biblioteca, las dinastías Qin y Ming dejaron tras de sí la gran muralla china, Napoleón dejó arcos, edificios, el código civil, Hitler y su team hicieron lo suyo... ¿qué gran obra construyen los imperios hoy en día para ser recordados?

Pd: es el paper más disperso que he hecho.

Agosto 16

2007-08-29T02:22:00.000-04:00

Sesión de fotos para el Taller Art Direction de la FAU.

Modelo: Pamela Blanche
Dirección de arte, fotografía y retoque: Marcelo Moya y Oscar Scheihing
Asistente de iluminación: José Pinto
Maquillaje: Paulina Fuenzalida

Ocupamos una cámara reflex Canon FT {le amo} con rollos Fuji Superia de 400 y una Canon PowerShot A85 {gracias a la Andreíta por ambas!}. Las digitales tienen retoque, pero las reflex no tienen retoque alguno: presentamos las mismas que nos entregó el laboratorio.

Para iluminar utilizamos dos focos halógenos de 500W.

Para ver más y mejor visiten: Flickr Agosto 16

Vaalr Type

2007-08-28T04:06:00.000-04:00

{Antes conocida como Proyecto Clip Type}

Vaalr es una tipografía display para palabras cortas, inspirada en las formas de los clips metálicos para papel.

Comenzó con una experimentación hecha directamente sobre clips metálicos, doblándolos y retorciéndolos hasta dar con las letras, y luego siguió con la digitalización de los caracteres y su corrección en el computador. Se caracteriza por sus bordes redondeados y sus caracteres lineales.

Toma su nombre de Johan Vaaler, uno de los presuntos inventor del clip de papel en Noruega, el año 1889.

Fue realizada en el Taller de Tipografía de la Universidad de Chile, comandado por Rodrigo Dueñas, Jko Contreras y Felipe FACO Cortez.

También funciona como una tipo de neón bastante decente.

Olimpíadas de Derecho 2007

2007-08-24T18:56:00.001-04:00

Olimpíadas de Derecho, originally uploaded by El Melkor.

Afiche para las Olimpíadas de Derecho 2007

Olímpiadas de Derecho 2007

Through the looking glass

2007-07-27T17:33:00.000-04:00

Al igual que Alicia, 600 años después, Filippo Brunelleschi descubrió un mundo a través del espejo.

En 1415, realizó un experimento que consistió en dibujar sobre un espejo, el reflejo mismo del Baptisterio de Florencia. Luego, horadó un agujero para poder mirar a través de él la edificación real y agregó un segundo espejo que cubría el Baptisterio y reflejaba su pintura. Así pudo comprobar si su pintura era precisa en cuanto a la tridimensionalidad del edificio y cuando lo logró," fue posible para él analizar la estructura por la cual tres dimensiones se traducen en dos dimensiones". Luego, este análisis resultó en un método de perspectiva geométrico, que fue adoptado por los pintores de la época, que encontraban en él una nueva herramienta para representar el mundo.

La expresión, "a través del espejo" {through the looking glass} hace referencia al descubrimiento de algo que antes estaba oculto pues no era visto correctamente y la podemos encontrar en varias situaciones que ya conocemos: en la secuela de "Alicia en el País de las Maravillas", llamada "A través del espejo, y lo que Alicia descubrió ahí" del mismo Lewis Carroll, en la estación submarina de la serie Lost y en varios nombres de episodios de series de ciencia ficción, en el primer DVD de la banda alemana Blind Guardian, en la serie animada Thundercats, cuando Lion-o miraba a través del ojo de Thundera en su Espada del Augurio para "ver más allá de lo evidente", etc.
Hace referencia a un modo de ver que nos permite captar el mundo de otra manera.

Dos ejemplos algo literales me vienen a la mente. El primero es Julian Beever, que se gana la vida haciendo dibujos 3D en el suelo. Son realmente impresionantes, pero para captarlos en toda su gloria hay que verlos desde la perspectiva adecuada.

El segundo es un BTL de la campaña publicitaria para el Pegamento Pattex, de Henkel, en Alemania. En medio de un parque, 3 pedazos de un jarrón gigante roto aparecen en medio del camino. Si se los mira desde la perspectiva indicada {donde astutamente está ubicada una placa con la marca Pattex y el slogan "glues everything", mágicamente las piezas rotas se unen nuevamente formando un jarrón perfecto.

Una vez más, depende desde donde se mire.

Pd: tomé los ramos tarde por problemas tecnológicos y aún no recibo los resultados de inscripción. Espero que me den Taller Tejeda y en caso de no ser así, pretendo hinchar las pelotas que sean necesarias para conseguirlo.

Imperdibles

2007-06-20T18:38:00.000-04:00

1) Microsoft Seadragon: nueva tecnología de visualización y relación de imágenes

2) Microsoft Surface: superficies/pantallas multitouch y con interfaz virtual.

Originalmente...

Después de Microsoft...

3) Prometeus: una teoría acerca del futuro.

4) Epic 2015: otra teoría fatalista acerca del futuro de Internet, con el mismo protagonista... Google. Pero más brígida.

Vía Fayerwayer y Digilicious

Portafolio

2007-06-11T03:44:00.000-04:00

Add to my blog

Pocos lo habrán notado, pero ahora hay un botón "Portafolio" a la izquierda del blog. Si lo clican, podrán ver mi portafolio hasta la fecha {Junio de 2007}.

Cualquier crítica o comentario es bien recibida, y ofertas laborales o de participación en proyectos también!

Para contactarme, está el botón de "Contacto".

Salud[os]!
M.

Como NO mostrar tu trabajo en la Web

2007-06-10T02:01:00.000-04:00

Charlie Parker, en Lines And Colors, escribió una útil guía de como NO mostrar tu trabajo en la Web.

Desde su vasta experiencia, habla de como se ha topado con cientos de sitios donde es prácticamente imposible acceder al portafolio del diseñador, artista o ilustrador.

En una buena guía, llena de tips útiles, pero lamentablemente un poco latera de leer ya que está escrita en un tono muy irónico. La estaba traduciendo, así que le pregunté que le parecía y me dijo que alguien más ya la estaba traduciendo, pero que si quería podía hacerlo. Busqué y me topé con una traducción por Manuelita en ArtBox Forum, así que se las dejo, con ligeras modificaciones:

Usa un servicio de alojamiento gratuíto, de estos que hacen que tu página se llene de ventanas emergentes con publicidad.
Oye, es gratis, no? Además, a la gente le encantan los popups. No te preocupes porque un servidor decente cobre unos 8 dólares al mes o menos, y pasa de mirar reseñas de servidores de alojamiento en sitios como C/Net. Además es mejor no saber que los blogs, cuando se usan con "páginas" en vez de con "mensajes" pueden utilizarse como un método fácil para conseguir una página prediseñada y gratuíta.

Olvídate de gastar dinero comprándote un dominio.
Seguro que “mac.com/users/~joeblow/web/portfolio/intro.html” es más fácil de recordar para los directores de arte que “joeblowillustration.com” cuando están buscando un nuevo artista al que contratar.
Además, “tripod.com/members/~janedoe/paintings/gallery/thumbnails.html” es muy fácil de mencionar en una conversación y de recomendar a alguien, y queda genial en una tarjeta de visita. Qué más da que un dominio cueste menos de 10 dólares al año, o que a veces incluso se regale con una cuenta en un servidor web de pago. Mira, todos sabemos que los buenos ya están cogidos u ocupados, no? Entonces, para qué te vas a liar con eso?
De cualquier modo, si decides comprar un dominio ten en cuenta que los nombres largos que pueden asociarse facilmente con tu nombre o estudio, y que son fáciles de recordar, seguramente no serán tan cool como los nombres cortitos, raros e inteligentes que no tienen nada que ver contigo ni con tu trabajo.

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Hablando de inteligencia, asegúrate de usar un diseño complejo y un sistema de navegación enigmático.
Todos los editores y dueños de galerías de arte adoran los acertijos, y tienen tiempo libre de sobra para clickar por todas partes hasta descubrir el lugar donde se esconde tu galería. Quedarán tan impresionados que, cuando finalmente encuentren tu trabajo, le darán mucho más valor.

De hecho, no estaría mal que los hicieras esperar un poco al principio.
Usa una página de introducción, de ser posible con una larga, inteligente animación en flash que no pueda saltarse, y que al terminar obligue a los visitantes a buscar un pequeño, casi invisible, "Entrar al sitio", en el que haya que clickar para conseguir llegar a la página principal, que debe ser tan confusa como sea posible y donde deberán elegir "Creatividad", o cualquier otro eufemismo por "Galería", para conseguir llegar a la página donde se muestren tus trabajos, que serán presentados por opciones según sea la parte de la galería que quieren ver. Estas opciones deberán estar presentadas por términos oscuros que sólo tú y los miembros de tu fanclub entiendais, y darán paso a una Sub-Galería, y después, a ser posible, a otra Sub-Sub-Galería, antes de enseñar una sola imagen. Hacer que tengan que currárselo para llegar es la única manera de que comprendan lo importante que es tu trabajo! Oye, que no habrían llegado tan lejos si no lo lo fueran, no?

Usa toneladas de colores brillantes e intensos en el diseño, sobre todo en la parte de la galería.
Tienes que asegurarte de que los colores de las imágenes queden suprimidos y eclipsados por el diseño. Después de todo, la página en sí es lo mas importante, no?

Los thumbnails deben ser pequeños y cuadrados, y deben reflejar alguna parte de la imagen total que sea oscura y nada descriptiva.
No queremos que nadie se pierda el divertido juego de la concentración cuando intente recordar qué imagen era ésa en particular. Además, si los thumbnails describieran claramente cuál es la imagen a la que van enlazadas los visitantes podrían llegar y ver la imagen que les gusta en los 11 segundos que tienen para mirar tu pagina.
Mejor aún, por qué poner thumbnails o previews cuando pequeños cuadraditos, círculos, o cualquier otra enigmática forma es mucho más de artista? Todo el mundo sabe que tu trabajo es una pasada, así que seguro que no les importa ir clickando en todas las miniformas que hay en tu página para encontrar una imagen. Es una oportunidad para volver a divertirse descubriéndolo todo de nuevo!

Usa "ventanas emergentes con botón de cerrado" para la navegación de la página.
No permitas que sean vagos y vean todas tus imagenes con un simple "Siguiente, Anterior, Indice", podrían terminar viendo todo tu trabajo de una tajada!
Lo mejor para que hacer que se lo ganen es abrir cada imagen en una ventana aparte, y obligarlos a cerrarla antes de que puedan abrir la siguiente. Así tu fantastico trabajo valdrá el doble! Para un incentivo extra, haz que esperen a que una llamada de JavaScript redimensione la ventana emergente cada vez que muestra una imagen. De hecho, cuantas más ventanas se abran mejor! Que todas las galerías, subgalerías, e imágenes individuales se abran con su propio popup aparte! Yeah!

Hablando de Javascript, asegúrate de que el navegador de los visitantes se reposicione o se fuerce a abrirse en pantalla completa cuando llegan a tu página.
No hay bienvenida mejor que arrancar el navegador de las manos de tus visitas y dejarles claro que no crees que sepan como ver tu fantástico trabajo sin ayuda porque son idiotas.

Aquí tienes otro buen truco: usa JavaScript en los thumbnails para que sólo se puedan ver la imagenes en grande al pasar el ratón, y en el momento en el que vuelvan a moverlo, se cambie de imagen.
El autocontrol necesario para mantener el raton quietecito, o el esfuerzo por alejar las manos cuando quieran ver la imagen durante más de un segundo los mantendrá concentrados en tu trabajo. No queremos gandules mirando nuestras cosas! Además esto tiene la ventaja adicional de tener que hacer que las visitas esperen a que cargue todo antes de poder ver nada.

Cuando hayas terminado con el libro de Javascript, empieza con el de Flash.
Averigua si puedes encontrar alguna manera de hacer que sea difícil desplazarse hacia arriba o hacia abajo en tus galerías, de evitar que el texto de tus páginas pueda ser indexado por los buscadores, o de hacer que las imágenes tarden milenios en cargar, ya sea por larguísimas y dramáticas transiciones de color, o por redimensiones de algun área en concreto. (Si te dicen que el Flash puede usarse con responsabilidad y eficiencia si sabes cómo, pasa del tema; eso son cosas de mariquitas!)

Asegúrate de poner frames en tu página!
No puedes permitir que cualquiera pueda poner una página en favoritos, o mandar el enlace de una pagina en concreto, por ejemplo, a otra persona. Lo ideal es que haya que hacer el proceso de navegación completo todas las veces. Poner todo tu sitio en un sólo archivo flash también es una buena manera de conseguir esto.

Haz que tu página sólo pueda verse desde Internet Explorer.
No queremos que los panolis que usan Firefox, Mozilla, Opera, OmniWeb, UNIX, LINUX o Mac entren en nuestra página. Si no pueden conseguir un ordenador de verdad que se jodan.

No te preocupes por conseguir que tu página sea fácilmente indexable por los buscadores online.
Los verdaderos artistas están siempre languideciendo en la oscuridad (NdT.- Entre unicornios tristes, me atrevería a decir) . Si te vuelves loco y decides que quieres que tu sitio sea encontrable, no te molestes en ir a sitios como searchenginewatch.com, y aprender algo sobre la optimización para buscadores; lo único que tienes que hacer es contratar uno de esos dudosos servicios, de un país cuyo nombre no puedes pronunciar, que te ha mandado un email de spam prometiéndote añadir tu sitio a "cientos de motores de búsqueda". (Esas historias sobre que el 90% de nuestras búsquedas se limita a los cuatro primeros resultados son leyendas urbanas!)

Haz un poco de trampa!
Usa enlaces que no sean descriptivos, y que lleven a los ingenuos visitantes que piensan que van a otras paginas de tu sitio, a eBay, a tu blog, a tu galería de Flickr, o a comenzar a bajar un PDF que no han pedido. Esto sí que es diversión!

No aprendas nada sobre usabilidad, diseño de información, o buenas técnicas para la navegación.
Si estas haciéndote tu sitio tú mismo no quieres coartar tu creatividad con cosas como ésas, y tampoco quieres preocuparte por ellas si has contratado a una agencia o a un diseñador web para que te hagan una página creativa y vanguardista. Todas esas pamplinas sobre hacer que un sitio web sea fácil de usar lo único que hacen es molestar. Tampoco se te ocurra leer libros sobre usabilidad de los websites, como el Don't make me think de Steve Krug. No se te ocurra entrar a tu página web poniéndote en el papel de una persona que nunca ha estado antes. Tú sabes dónde está todo, si alguien nuevo no puede imaginárselo, que le zurzan!

Rodeate de misterio.
La página de inicio es la primera impresión que las visitas tendrán de tu sitio. Hagas lo que hagas, ni se te ocurra dejar un espacio en la página de inicio, o en una parte visible de tu blog, para dejar a los que te visitan por primera vez una breve descripción de quien eres y lo que haces, o darles alguna pista sobre qué clase de sitio es ese. Qué tendría eso de divertido? De hecho, haz todo lo que puedas para hacer la entrada a tu sitio tan enigmática y oscura como sea posible; esto es très chic. Además, toda la gente que realmente importa ya ha estado en tu página y sabe de qué va el tema; y los nuevos adorarán la sensación de que han llegado a la puerta de un clandestino club privado, y apreciarán el desafio que les proporcionas para dar sentido al puzzle, mientras deciden si registrarse o no.

No te centres!
Como todas las personas importantes ya han estado en tu página antes, diseña la página principal para su beneficio y rellénala con las últimas noticias sobre tus idas y venidas, o con las intuiciones que has estado rumiando sobre el episodio de anoche de Perdidos. No malgastes el maravilloso espacio de la página principal en una presentación para los desconocidos! Oh, y ya que estamos, asegúrate de meter todo lo que puedas en la página principal. Es la página más importante, no? Entonces todo debe estar ahí. Haz que sea muy larga, y mete barras de desplazamiento y material apiñado en todas las esquinas. No querrás desperdiciar espacio en blanco! Cuanto más material metas para llamar la atención, mejor! HAZ QUE TODAS LAS LINEAS SEAN LINEAS DE CABECERA! Mezcla colores! HAZ QUE LAS LINEAS DE CABECERA PAREZCAN ENLACES! HAZ QUE LOS ENLACES PAREZCAN LINEAS DE CABECERA! Asegúrate de subrayar, usar cursiva, negrita y todas esas cosas para ENFATIZAR!!! No es divertido?! No lo olvides, los dioses de los ordenadores nos han dado millones de fuentes por una razón; no usarlas sería un pecado.

Y no te olvides de centrar el texto. Esto es un principio consolidado del diseño gráfico: el texto centrado es mucho más fácil de leer que el aburrido y anticuado texto alineado. Por eso las novelas, las revistas y los periódicos parecen invitaciones de boda.

Una vez que ya has conseguido que tus imágenes sean inaccesibles, hazte inaccesible a ti mismo.
Elimina cualquier deseo injustificado que tengas de incluir un apartado con tu información personal. Como mucho sustitúyelo por un inteligentísimo apartado con una biografía falsa, seguro que se parten de la risa. O, si tienes que añadir datos verdaderos, asegúrate de escribir un larguísimo informe de mil páginas con la historia de toda tu vida y tus puntos de vista sobre el arte, la religión y la política. No incluyas una descripción breve de tus métodos de trabajo, esto podría ser demasiado interesante e informativo. Revisa que tu información de contacto no esté disponible, o asegúrate de que está presentado en alguna clase de horrible formulario, cuya localización esté escondida en la página y que deje claro que no quieres que nadie contacte contigo a no ser que te conozcan (porque son antiguos fans), o que te hayan avisado antes.

Lo más importante es asegurarse de que las imágenes sean tan pequeñas que imposibiliten hacer cualquier apreciación sobre tu trabajo.
No olvides que los visitantes de tu galería son malvados parásitos ladrones que están ahí para robar tu preciado trabajo e imprimirlo en millones de camisetas en China! No les des nada que haga que tu trabajo parezca lo suficientemente bueno como para robarlo!! Mejor aún, pon tu trabajo a salvo no subiéndolo a internet!! Si tu trabajo es impreso lo que tienes que hacer es escribir a las autoridades y pedir que prohiban la venta de escáneres baratos, que podrían usarse para sacar imágenes imprimibles de alta resolución de tu trabajo. Ahora que lo pienso, lo mejor es prevenir que tus imagénes sean impresas. Mételas en una caja fuerte en tu casa y nadie más que tú podrá verlas!

O también puedes ponerle una marca de agua a todo.
Amigo, ahora nos estamos entendiendo! Asegúrate de que tu marca de agua es grande y horripilante, y de que destruye cualquier atractivo que pudiera quedar en las pequeñas imágenes que muestran tu trabajo. La mejor frase que puedes poner en la marca, cruzando tus imágenes es: "Creo que eres un ladrón, no eres digno de mirar mi brillante trabajo porque ni siquiera serías capaz de entenderlo! Fuera de aquí!"

Ves qué fácil es? Siguiendo estas sencillas reglas, o sólo algunas de ellas, tú también puedes hacer que tu galería sea tan magníficamente poco atractiva como la de tantos otros artistas! Así que píllate una copia del Front Page y ponte a ello!

Nueva imagen para Londres 2012 provoca epilepsia

2007-06-09T22:16:00.000-04:00

Desde el pasado lunes, la nueva imagen de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, se ha transformado en algo así como la Coté López del SQP del diseño gráfico. Todos tienen algo que decir acerca de ella, todos quieren opinar, algunos la quieren ver mal, otros la aman, a otros no les importa, pero igual saben toda la historia.

En una acción letal para esta nueva imagen, el profesor Graham Harding, creador del test de emisión de foto-sensibilidad en aparatos de TV, dijo a la BBC: que el nuevo comercial de Londres 2012 no era seguro para ser transmitido y que debía sacarse del aire:

"It fails the Harding FPA machine test which is the machine the television industry uses to test images. And so it does not comply with Ofcom guidelines and is in contravention of them."

En adición a eso, a un tipo efectivamente le dio un ataque de epilepsia. Estaba viendo tele con su novia y ambos tuvieron un ataque. De hecho, ella necesitó de tratamiento médico:

"The logo came up on TV and I was thinking about the 2012 Games and then I was out", dijo.

Esto le viene muy mal a la ya vilipendiada imagen, que a nadie parece agradarle, especialmente a los londinenses:

"The word London is in an inelegant font, which devalues London as a city. It looks like a child's writing."
Chris Autry

"Do the decent thing and give us a logo we can be proud of and not this national embarrassment."
Natalie

Mientras que el equipo de diseñadores y consultores lo defienden diciendo que no crearon un logo, sino una marca que debe verse actual en 5 años más. En ese punto les encuentro razón, ya que tampoco me gustó en su tiempo el logo del Jamboree que se hizo para el mundial de Alemania 2006, pero terminé acostumbrándome.

De todos modos, les recomiendo leer las noticias completas y armarse su propia opinión

Fuentes:
BBC 1
BBC2
BBC3
Drawn!

Alberto Montt

2007-06-09T19:33:00.000-04:00

Aunque sabía de la existencia de su blog desde que me lo pillé en Drawn, nunca lo había revisado. Creo que es un gran ejemplo de la diferencia entre un ilustrador que ocupa el diseño gráfico como herramienta, y un diseñador que ocupa la ilustración como una herramienta, un tema que he tenido en la cabeza esta semana {Migue, Jordi y Jose pueden dar fe de ello} y que tiempo atrás conversamos con José Pinto y la Pola

3 de mis favoritas:

Especímenes de la Bienal de Letras Latinas 2006

2007-06-09T17:49:00.001-04:00

bienal letras latinas 2006, originally uploaded by claudioruiz.

Aprovechando que para la entrega final del Taller de Tipografía, tenemos que presentar un especímen de nuestras tipos, les dejo estos dos flickr:

1) Asociación de Diseñadores Gráficos de Colombia, que son los que editaron el libro de la Bienal de Letras Latinas 06 y amablemente nos dejan ver varias de sus páginas.

2) Los 70 especímenes de las tipografías presentadas en la Bienal 06

Videos para un sábado en la tarde

2007-06-09T15:36:00.000-04:00

El viernes es para carretear, el sábado para descansar y ver videos pulentos.

Primero, el mítico Rodrigo Ahumada subió en su blog una lista de videos con gráficas la raja. Esos mal llamados "video clips".

Segundo: Studio Smack. Este es un sitio que me envió el muy potro de José Pinto donde en la sección Midden pueden encontrar varios videos, todos notablísimos, incluyendo Kapitaal, que se lleva premio gordo, con un mundo donde sólo vemos diseño gráfico.

El tercero, es un corto que salió en la sección Short Films del 7mo Vicio y con el cual me acordé de una muy querida amiga. El video se llama Papiroflexia y está dirigido por Joaquín Baldwin, lo que demuestra una vez más que los Baldwin están conquistando el mundo, un paso a la vez.

Y cuarto, una selección de Motion Type que armaron los muchachos de Digilicious.cl. Lo extra chori de esta selección es que hay 3 trabajos de cabros de la Chile!: uno es el de Memento, de la incógnita Juanita Laguna, otro es el de Eleanor Rigby que no recuerdo quien lo hizo {si lee esto, identifíquese!} y el otro es de su servidor, con Manolo Cabeza de Huevo. Realmente un honor!

Selección de Motion Type

Nuevas funciones en Youtube

2007-06-06T21:39:00.000-04:00

Lo acabo de notar: ahora, al posar el mouse sobre la pantalla de los videos embed, aparece un menú desplazable con los videos que comparten tags. Por ejemplo, si yo pusiera el trailer de "Across The Universe" {la película que más me tinca este año}:

...aparecen todos los videos que generalmente aparecen al lado de los comentarios en YouTube. También hay dos flechas de navegación para pasearse entre los videos contiguos.

Esto puede no parecer tan relevante desde el punto de vista del diseño, pero yo encuentro que sí lo es:

- Mejora la forma en que el usuario interactúa con la interfaz, la hace más cómoda, agradable y accequible.
- Entrega resultados relevantes, sin necesidad de realizar una búsqueda.
- Insta a los usuarios a utilizar mejor las tags, de modo que mejoran las clasificaciones folksonómicas del sitio, lo que se traduce en búsquedas con respuestas más acertadas.
- Se ve bien, ou yeah.

Ahora falta que mejoren la calidad de los videos y listo, murió la tele.

Pd: youtube no le hace justicia a la maravilla visual que es Across The Universe. Véalo en mejor calidad acá. Al principio es como cualquier peli con una banda sonora la raja, pero desde la mitad p'adelante se pone loquísimo.

Las 20 mejores tipografías para texto gratuitas

2007-05-31T10:43:00.000-04:00

No es una combinación de palabras a la que estemos acostumbrados. Las buenas tipografías para texto son por lo general accequibles sólo mediante una tarjeta de crédito, y las que son gratis son muy malas y nunca para texto.

Así que les traigo este link, que compendia 20 {en un inicio eran 25, pero algunas han pasado a ser de pago} excelentes tipografías para texto y gratis. Alguna vez lo leí publicado en Magentta y ahora lo pillé entre mis bookmarks.

20 Best License Free Fonts

Cinco Cerdo Mono recomienda: PetitLatin y ATF Antique {reencantado de las serifs}, Fontin, Union y DayRoman.

Les recomiendo también el excelente sitio de Jos Buivenga, creador de Fontin y varias otras tipos gratis de gran calidad, como la riquísima Fertigo

Pantalla OLED flexible de Sony

2007-05-29T21:13:00.000-04:00

Con una pantalla flexible de 16.8 millones de colores, 0.3mm de espesor y 1.5 gramos de peso... imaginen las posibilidades!

Tarjetas de presentación animadas, cajas de cereales donde el Tigre Tony hace maromas en su patineta {o Melvin, el ex elefante obeso, da lo mismo... ah no, no da o mismo: Cliffy the Clown ni cagando}, portadas de libros que cambien de color según como los agrupes, cajas de dvd que te muestren la sinopsis de la peli...

Que bonito :')

{Via Fayerwayer}

Khoi Vinh y Substraction.com

2007-05-23T20:48:00.000-04:00

En los links de Cinco Cerdo Mono, justo después del grandioso Taller PV se encuentra uno de mis blogs favoritos de la vida: Substraction.

Es el blog personal del personaje de la foto, Khoi Vinh. No les voy a hablar tanto sobre él, si les interesa lo pueden investigar. Pero hay algunos highlights que no puedo dejar pasar.

Yo llegué a su blog el año pasado, por una noticia en FayerWayer respecto al rediseño del sitio web de The New York Times. ¿Cuál es la relación? bueno resulta que Khoi Vinh hizo este rediseño. Y además, es el Director de Diseño del NY Times.

El año pasado, su sitio personal fue nominado para los Weblog Awards como Weblog Mejor Diseñado. Yo lo encuentro la raja, lo justo y necesario, con una propuesta cromática coherente y los elementos a la mano, donde tienen que estar.

Lo más cool de Substraction, además de los posts que son en verdad muy interesantes, son los Elsewhere: una especie de sección de links, pero que no es eso propiamente tal. Son más bien recomendaciones de sitios, artículos, ilustraciones, comentarios, etc., de la más diversa índole y calificados con estrellas de acuerdo a su relevaancia o "nivel de interés". Esto me ha llevado a varios sitios valiosos, como el de The Elements Of Typographic Style Applied To The Web, por nombrar uno.
Ahí también me enteré por primera vez sobre la película de Helvetica.

Y lo otro muy cool son los links. Desde ellos conocí, por ejemplo, Drawn {otro de mis blogs favoritos}.

Dense una vuelta por Substraction, es altamente recomendable ;)

Contar historias

2007-05-18T02:19:00.000-04:00

Hay similitudes que saltan a la vista entre las exposiciones del MAC, que nos trae una muestra de la Bienal de Sao Paulo, y la que se exhibe en la Gran Sala del museo colonial de la Iglesia San Francisco. Eso es obvio.

Lo que a mi me llamó la atención fueron las diferencias.

No las diferencias evidentes, como la temática o el lugar o la técnica, sino las diferencias que existen en el modo de contar.

Ambas muestras tienen un valor cultural enorme, ambas merecen estar en los lugares que están, como lo merecía Rugendas. Pero ambas se cuentan de forma distinta, más que nada por un asunto de ordenamiento y de comprensión del espacio y del visitante.

Cuando recorres el MAC, las obras que ahí se exponen son las que van cambiando, y tienen que adaptarse a los distintos salones del Museo: este, nunca cambia; aunque también es cierto que hay casos en los que el Museo se adapta levemente a las obras expuestas, como en las instalaciones audiovisuales que requieren una sala oscura, por ejemplo.

Se plantea un cierto recorrido, que si bien es libre, está diseñado. Prácticamente, no hay manera de que te falte una exposición que ver al terminar.

Estas exposiciones se articulan de modo que se le presentan al visitante rítmicamente. No están todas las fotografías seguidas, ni todos los videos de corrido, ni todas las piezas volumétricas juntas. Los salones van intercalados y se presentan de manera natural aunque planificada.

En el museo colonial no pasa lo mismo.

La primera diferencia es que la Gran Sala fue construida exclusivamente para albergar la obra del Taller de Basilio Santa Cruz. La sala se adaptó a la obra, está en función de ella. Pero no se nota.

Cuando entras al museo y caminas hacia la Gran Sala, entras por la salida de esta. Me costó un poco ubicarme y si no fuera por la ayuda de la minuciosa Daniela Rodríguez habría pasado mucho más tiempo antes de realmente notar donde había que empezar a recorrer la muestra.

Ya, eso es nada, es casi un capricho.

Lo que no es un capricho es que los 54 grandes cuadros que narran la vida de San Francisco de Asís, rotulados numéricamente y en orden cronológico, donde el 1 es su nacimiento y el 54 es su reunión con Cristo una vez muerto, no estén ordenados. Ni siquiera algo que se le parezca.
Si bien están ordenados correlativamente hasta el cuadro Nº6, después es un caos. La historia no se puede entender bien, a menos que leas y veas todos los cuadros y luego armes el cuento mentalmente.

Para el visitante esto es muy desconcertante y realmente resulta en una experiencia que no es todo lo excelente que se supone debería ser, teniendo una sala hecha especialmente para albergar la obra.

¿Por qué pasa esto? Porque una exposición está diseñada y la otra no. Ambas historias son muy buenas, posiblemente la de San Francisco es aún mejor que la de la Bienal… pero se cuenta muy mal.

Es algo similar a lo que pasa cuando uno intenta reproducir un chiste graciosísimo que escuchó por ahí y le sale fome. El chiste es el mismo, pero la forma de contarlo cambió y el resultado ya no es el mismo.

Creo que visitar ambas exposiciones es una buena forma de entender experiencialmente el aporte que significa el diseñador para la sociedad. El diseñador cuenta las historias fenomenalmennte, porque sabe cómo deben ser contadas.

{Por este texto, seré absolutamente autorreferente. El próximo retomo las citas.}

Tarjetas de presentación

2007-05-18T01:34:00.000-04:00

Yo estaba súper contento con mi tarjeta de Ergo hasta que llegué a este Flickr

Vía Bold

El Taller de Tipografia presenta: {actualizado}

2007-05-17T03:39:00.000-04:00

¿No sabe quién es este tipo ni por qué debería ir a su charla? apriete aquí mismo!

{Lo que no sé es el lugar físico donde se va a realizar, por eso no lo puse. Pero cuando lo sepa lo agrego}.

Vayan! va a estar deluxe!

UPDATE: el convite es en la sala E-15

Relato PV

2007-05-15T01:17:00.000-04:00

{Se puede regular la velocidad de la presentación arriba, donde dice "5 seconds" y hay un slide}

Add to my blog

Esta es la entrega del Relato PV que realizamos junto a José Pinto y Oscar Scheihing.

El proyecto consiste en una serie de citófonos simulados a escala 1:1 distribuidos en las inmediaciones de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Estos citófonos representan el nexo entre el exterior y el interior, y cuentan el relato de sus dueños particulares: cómo ven estos citófonos las vidas de quienes viven tras las puertas que ellos abren.

Creamos un grupo en Flickr para que puedan dejar ahí también sus opiniones si quieren:

http://www.flickr.com/groups/citofonos/

Pd: se puede regular la velocidad de la presentación arriba, donde dice "5 seconds" y hay un slide.

No todos los fotologs son basura, pt. 2

2007-05-13T16:31:00.000-04:00

Acá les dejo otro par de fotologs que encuentro muy buenos:

Oich

Es el fotolog de Lucas Aguirre un artista/ilustrador argentino. Muy versátil en técnicas y temáticas:

Su sitio está caído, pero tiene un deviantart

Ores

Este es un francés que hace ilustraciones y grafitti. Tiene un estilo tremendo y una noción de rostros, manos y texturas que es envidiable.

Eronai

Este me causa dudas. Sé que tiene algún vínculo con Ores {ambos son franceses}, pero no sé a qué nivel. Da la impresión de que pertenecen al mismo colectivo o provienen de la misma escuela, sobretodo en la representación de las manos y en las expresiones de los rostros.

Motion/Kinetic Type

2007-05-07T11:27:00.000-04:00

Cuando algo es novedoso se nota altiro, porque los profes te piden hacer un trabajo parecido. Jejeje.

Este es un motion type de Manolo Cabeza de Huevo, mi primer trabajo en After Effects. El original dura 2 minutos y medio, pero este es un sample de 33 segundos. Más adelante subo el completo.

{After Effects 7+Photoshop+Illustrator}

Update: Manolo Cabeza de Huevo en Digilicious.cl

Guía para presentar tu talento en una agencia

2007-05-04T22:06:00.000-04:00

Este documento me lo envió el majestuoso Claudio Ramírez, un amigo publicista, el año pasado.

Lo generó una agencia de publicidad Argentina y básicamente, explica paso por paso cuál es la mejor manera de presentarte cuando vas a pedir trabajo a una agencia de publicidad, diseño, arquitectura, o cualquier carrera que tenga que ver con comunicación. Incluso, me atrevería a decir, para cualquier carrera.

Hay tips desde como armar tu currículum hasta como armar tu carpeta; consejos que a veces de puro obvios, se pasan por alto {y de hecho, se pasan por alto}. Un documento que hay que leer, aunque no pretendamos ir a pedir pega.

Bajar PDF de Rapidshare aquí

National Rugendas

2007-05-04T03:26:00.000-04:00

No sé si me influenció el ver antes la exposición “Si yo fuera…” de Rodrigo Cabezas y su tónica periodística/sensacionalista, pero la exposición de Rugendas la vi con ojos de reportero.

No es que yo fuera el reportero, haciendo una nota sobre la exposición {para eso están otros más calificados}, sino pensando en lo progresista del hacer de Rugendas, que, documentó gráficamente la vida en esos tiempos de no uno, sino varios países.

Según mi visión*, el real aporte de Rugendas es que era un reportero. Contaba historias y retrataba personas y situaciones de todos los países por donde pasaba. Sabía como capturar el gesto clave, sabía como encuadrar un personaje ilustre para que comunicara majestuosidad, sabía como capturar campesinos para que comunicara el sufrido trabajo rural, sabía como contar lo épico de una batalla para que infundiera heroísmo. Pensé inmediatamente en National Geographic.

El gran atractivo de National Geographic son sus increíbles fotografías. Tienen un equipo de fotógrafos de elite que viajan por el mundo, muchas veces durante meses, invirtiendo cientos de dólares y disparando cientos de veces, sólo para conseguir LA gran fotografía. Ellos son los reporteros del mundo: cuentan historias como la migración de pescadores de Newfoundland, Canadá, donde miles de familias que vivían entre el hielo y la nieve fueron reubicadas frente a la escasez de peces en el mar, retratan la forma de trabajar de los pescadores desalentados frente a este revés de la naturaleza; el espíritu de los actuales vaqueros de Utica, Montana; el rito de caza de un aborigen Australiano, etc. Lo que los hace grandes, es como cuentan la historia. Lo mismo hizo Rugendas, en un tiempo donde nadie pensaría jamás que es posible tomar una foto en gravedad cero.

Sam Abell, fotógrafo deNational Geographic, tiene un sitio muy básico, aunque muy rico en cuanto a notas al pie de página. Hay una limitada galería de fotografías, donde por lo general muestra 3: dos en las que está buscando el encuadre adecuado y una, que es la final. Es la mejor manera de poder entender como una historia puede contarse de muchas formas, pero el como se cuenta, marca toda la diferencia.

Algunos links: 1 2 3 4

Un trabajo similar es el que hace Ed Kashi en sus trípticos {Portfolios>Triptychs}, donde en tres fotografías, aparentemente distintas, arma una historia que invita a recorrerlas e internarse en ellas.
En su sección de Ensayos {Essays} pueden encontrarse estudios más profundos sobre situaciones que ocurren y de las que uno ni se entera, como la matanza de animales en Nigeria, junto al delta del Níger, donde participa toda la comunidad para matar, quemar y salar miles de animales, todos los días, pues su principal fuente de alimentos, el pescado, ya no era apto para el consumo pues el río está contaminado con petróleo. Eso pudo haber salido en el diario y ni siquiera lo notamos, pero la historia que cuenta Kashi es mucho más destacable.

Probablemente Rugendas estaba destinado al éxito y la Historia, pues provenía de una tradición de artistas, pero yo pienso que es más que eso. Murió joven; 30 años antes de que se fundara National Geographic, pero ya demostraba el espíritu de la época, influenciado por los viajes al trópico de los austríacos Johann Baptist von Spix y Carl von Martius. El lugar de Rugendas es en los museos y en exposiciones alrededor del mundo, tal como lo recorrió él, porque su obra tiene las mismas intenciones: mostrar el mundo al mundo.

*Aunque peque de cándido.

Clip Type {el regreso del proceso}

2007-05-03T02:46:00.000-04:00

Está en proceso, así que cualquier comentario/crítica/sugerencia se agradece encarecidamente.

No todos los fotologs son basura

2007-05-02T23:14:00.000-04:00

Ahora que somos snobs y tenemos blogs {¿notan como se llevan de bien esas dos palabras?}, probablemente ya nadie se da vuelta por los fotologs a menos que sea para leer las tiras de Liniers {que también tiene blog} o para ver chiquillas lindas {+18} que suben fotos de ellas con poca ropa sin que los papás sepan.

Yo al menos de mi lista de F/F puedo rescatar un par de links realmente la raja. Acá se los presento:

Guy McKinley:

Es un ilustrador británico con el ultra estilo. Me lo recomentó el muy potro de Oscar Scheihing el año pasado y cada actualización es un deleite.

También tiene un sitio web con más trabajos, presentaciones en galerías y sketches, pero no lo actualiza con tanta frecuencia: {Sitio Web} {Fotolog}

Indie Posters:

Es un fotolog donde suben periódicamente {tres o cuatro veces por semana}, carteles de conciertos y tocatas de bandas indie internacionales. La gráfica y los recursos que ocupan son de mi completo agrado: es como para querer tenerlos todos empapelando tu pieza, aunque no conozcas a ninguna de las bandas que anuncian.

Sobre el origen de estos posters, o de sus diseñadores, el administrador del fotolog no dice nada. Habrá que limitarse a mirar nomás.

Si tienen algún otro aporte en formato fotolog, tírense el dato!

Pd: gracias a Jxo por el dato de Gig Posters!

The Elements Of Typographic Style {applied to the Web}

2007-05-01T16:30:00.000-04:00

Robert Bringhurst escribió, en 1992, un libro llamado The Elements Of Typographic Style, que rápidamente se convirtió en un referente obligado y de cabecera para diseñadores y tipógrafos en todo el mundo, considerado por tipos de la calaña de Hermann Zapf como "La Biblia de los tipógrafos". Yo me enteré de su existencia gracias al mostroso Pablo Rivas y espero estar recibiendo via Amazon mi copia en algo así como un mes.

Bueno, la cosa es que he estado viendo las carpetas de favoritos y desempolvando joyitas {como The Envelope Collective} que había dejado por revisar y me encuentro con un link que llevaba por nombre Web Design is 95% Typography. Con un nombre tan categórico, obvio que tenía que verlo de nuevo para recordar de qué se trataba.

Lo mejor de este sitio es que me llevó a otro: The Elements Of Typographic Style applied to the Web, que es el esfuerzo de Richard Rutter ayudado por Steve Marshall de aplicar los conocimientos tipográficos de Bringhurst al diseño de páginas Web, principalmente mediante HTML+CSS.

Es una gran guía que explica con ejemplos muy prácticos {con códigos y renders} temas como el comportamiento de las Em, el cómo, cuándo y por qué aplicar kerning en textos web {y por qué no, también}, sugerencias del número máximo, mínimo e ideal de caracteres por línea de texto en diferentes situaciones de columnas, sugerencias para un buen justificado, etc.

Es absolutamente recomendable y sin exagerar, un deber visitar este sitio.

The Envelope Collective

2007-05-01T03:42:00.000-04:00

Una gran idea que surge de un grupo de jóvenes: Garrett Miller, Adam Morse y Ophelia Chong.

Se trata de un colectivo/experimento que utiliza el correo como medio de transporte para el arte. Reciben miles de sobres de todas partes del mundo, con la única condición de que sean sobres distintos y creativos, y los suben en su sitio web. Hay algunos realmente notables.

{clic para ver más grande}

Pueden ver los sobres que han recibido en este link, y si se animan, mándenles una carta!

Algunos cambios

2007-04-30T21:01:00.000-04:00

Principalmente, una tercera columna [a la izquierda] y una botonera.

La botonera es para cambiar entre la versión Full, que muestra todas las entradas del blog y la Académica, que muestra sólo las entradas que tienen que ver con el Taller PV. El otro muestra la entrada de las Typoleras y el otro es un no-botón que sólo muestra la dirección de correo a la que se pueden contactar [para, por ejemplo, pedir el PDF de las Typoleras]: cincocerdomono[at]gmail.com

Ahora el blog mide 900px de ancho lo que le provoca algunos problemas a personas con monitores más chicos [al menos he registrado 1 caso] {working on it}.

Otro caso que que ocurre es que se visualiza bien, pero queda una franja negra separando la columna del medio con la de la derecha. Aunque no se ve mal y se puede navegar de lo más bien.

Las imágenes de arriba muestra como veo [y quiero que se vea] yo el blog. Funciona bien en los siguientes navegadores de OSX:

Firefox 2
Safari 2.0.4
Opera 9
Panic Coda 1.0

...pero si a alguno de ustedes les da algún jugo o se le corre un pixel o dos, porfa avisen por acá para corregirlo!

Salud[os]
M.

Pd: gracias a los que me ayudaron en su momento con esto: Jose Ramos, Víctor Mellado, Alberto Marcías y San Google.

Clip Type {en proceso}

2007-04-26T00:05:00.000-04:00

Pruebas para tipografía hecha con clips, para el Taller de Tipo.

Se aceptan críticas y también sugerencias para el nombre de la fuente!

Ver mejor en Flickr

Discurso de Steve Jobs en Stanford

2007-04-25T23:11:00.000-04:00

El año pasado lo había leído, pero ahora el gran Sergio Córdova me mandó los links del video en Youtube, y más encima subtitulado.

Debe ser uno de los discursos más inspiradores y completamente no-aburridores de la historia. Un deber, especialmente para gente como... bueno, uds. saben.

Sin más que agregar:

Parte 1

Parte 2

Los seis Santos Patronos del diseño gráfico

2007-04-25T01:15:00.000-04:00

St. Anxieté, St. Concepta, St. Exacto, St. Pantone, St. Pixela y St. Typo.

Ahora saben a quienes encomendarse la próxima entrega.

Concurso de diseño Nokia N76

2007-04-22T22:51:00.000-04:00

El concurso se trata de crear un diseño para el Nokia NSeries N76.

El premio, para los 10 finalistas es un teléfono Nokia N76 con tu diseño! comienza el 3 de mayo y finaliza el de 11 de agosto, día en que anunciarán los resultados.
Pueden participar desde cualquier parte del mundo y con todas las propuestas que quieran, mientras se ajusten a las bases... que prácticamente son "sean originales" y "no se permite el uso de imágenes con copyright".

Se bajan el template con sl PSD o el PNG, lo envían y listo. Una buena chance para hacerse famoso y tener un teléfono único en el mundo.

Podrán encontrar toda la información en el sitio del concurso.

Como dice Sinergia, "a ganar, a ganar".

Helvetica vs. Arial

2007-04-20T22:10:00.000-04:00

Round One... FIGHT!!!

[Gracias a jxo!]

Typoleras destacadas en DEm!

2007-04-17T21:30:00.000-04:00

El proyecto Typoleras fue escogido como uno de los proyectos destacados de la semana en el portal Diseño Emergente.

Les recuerdo que si quieren que les envíe el PDF al correo pídanmelo por acá, adjuntando en un comentario:
Su mail
Su nombre
Su carrera y
Su institución
[sólo por motivos de curiosidad, nada truculento].

O mándenme un correo a lord_melkor[at]hotmail.com con los mismos datos.

¿Y cuál es tu typo?

Evolución de la barra de herramientas Photoshop

2007-04-14T18:13:00.000-04:00

Tark, en Diseño Emergente recolectó esta imagen que muestra las barras de herramientas de las distintas versiones de Photoshop a lo largo del tiempo.
¿Cuál fue la versión de Photoshop con la que empezaron? Yo empecé con PS7, y una vez tuve que trabajar con PS4 y es te descoloca cuando no encuentras la herramienta, porque todavía no la inventaban.

Typoleras!

2007-04-13T22:18:00.000-04:00

El proyecto consiste en poleras con temática tipográfica.

Emula al famoso "I love NY", pero reemplaza el corazón por un calderón, y el nombre de la tipo, escrita con la misma tipografía.

Es publicada bajo una licencia Creative Commons No-Comercial, pero que sí permite obras derivadas (o sea, agregar más tipografías), siempre y cuando se respete la autoría de la idea.

No vendo las poleras, porque no quiero. Se las entrego a uds para que si quieren una polera, me pidan el PDF, lo impriman y lo estampen. Lo único que pido a cambio es que no hagan uso comercial de la idea y que me den crédito, agregando el logo y la dirección de mi blog en la espalda de la polera, como se indica. Además, si van a hacer una obra derivada de esta, publíquenla con una licencia idéntica, para que otro pueda a su vez mejorar la que hagan.

Pueden pedirme el PDF por acá o al correo cincocerdomono[at]gmail.com, y yo se los enviaré en cuanto pueda. Una vez con el pdf en su poder, pueden tomar cualquiera de los elementos y modificarlo en illustrator o Freehand, con excepción del logo de Cinco Cerdo Mono, a menos que sea por razones del color del sustrato.

Ahí tienen pues, que disfruten!

Edit: había olvidado darle créditos a Huasonic ya que el vector de las poleras lo saqué del PDF de su concurso. Así que, créditos.

{Esta obra es publicada bajo una licencia Creative Commons}.

¿Y dónde está el copiloto?

2007-04-10T05:43:00.000-04:00

Si hay algo a que ningún diseño, de ningún tipo, puede escapar, es a la dualidad más famosa de la disciplina: forma y función. Es una dualidad conflictiva, pues si bien, históricamente, “la forma sigue a la función”(1), tal afirmación relega al diseño, y al diseñador, a ser un mero ente conciliador entre ambos conceptos. “Si el resultado [es] agradable y [muestra] buen gusto, la estética [es] una consecuencia automática”(2).

Esto trae a colación un nuevo concepto: la estética. Tiende a percibirse como lo bello (venustas) de un objeto de diseño, como algo que no implica conceptos racionales, sino más bien viscerales; una consecuencia de un trabajo bien hecho. Algo ambiguo, subjetivo, si se quiere.

El profesor A.M. Bevers, de la Universidad de Erasmus, Rotterdam, difiere al respecto, y hace ver que la estética tiene mucho de racional, cuando dice, refiréndose a la preferencia o aversión de los humanos por las figuras geométricas: “A fin de cuentas, las figuras geométricas deben su valor estético a su función útil, es decir, estructurante. A lo mejor algo nos parece bello porque nos recuerda el placer de una experiencia anterior; entonces experimentamos lo útil como placentero. La experiencia de la belleza permanece, mientras que la conciencia de la utilidad desaparece”(3), es decir, la estética (o forma) resulta ser más pregnante que la utilidad (o función), para, ojo, los seres humanos.

He aquí un ingrediente más a la ecuación: los seres humanos, los tan queridos usuarios. Son sus impresiones sobre la Seguridad, Utilidad y Satisfacción(4) que les brinda un producto de diseño las que lo convierten en un éxito o un fracaso y (aquí está lo delicioso del asunto), no para el diseñador, que casi siempre trabaja tras bambalinas, sino para el usuario mismo y su experiencia con el diseño. Es un círculo virtuoso el que ocurre, pues, “la emoción y las necesidades sociales también juegan un papel en la determinación de la función”(5), y por tanto, también de la forma, y por tanto, también de la estética, y por ende, de lo placentero de su experiencia.

Creo que es aquí donde falla, hasta el momento, el plan Transantiago, no a nivel de máquinas, aglomeraciones, tarjetas plásticas, atrasos y multas, sino a nivel de precisamente el problema que Transantiago pretendía solucionar: el acceso claro y oportuno a la información. En definir, quien es el piloto, y quién el copiloto.

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Está el cuento de la Ergonomía de la información, considerando la ergonomía como “la creación de condiciones favorables”(6) para la correcta lectura y comprensión de la información. Tiene que ver con la jerarquía y la secuencia que tienen los datos que le son entregados al usuario, en términos de relevancia y de ritmo visual: guiar la lectura. “El tiempo, en el sentido de secuencia tiene un papel primordial en el diseño de los folletos de instrucciones (¿qué debe saber el usuario en primer lugar?)”(7) “El diseñador (…) necesitará plantearse el significado que los usuarios le asignarán (…) a los elementos visuales”(8) que previamente ha creado, como parte inicial del proceso de diseño y ergonomía de la información. Nuevamente sale a la palestra el usuario, ser elemental que a veces se pierde en la nebulosa de la resolución de un problema, sobretodo uno tan complejo como poner un nuevo sistema de transporte público en medio mercurio de papel. Y resulta especialmente complejo cuando el usuario no es el ideal: personas somnolientas, algo enojadas, aburridas de esperar, incómodas, descontentas e impacientes, que o bien no quieren entender el mapa y los paraderos, o simplemente no pueden. Uno, como diseñador, pensaría que la gran solución para enseñarles a las personas como utilizar el nuevo sistema de transporte público es mediante imágenes, pero “a pesar de lo que puede parecer, las representaciones gráficas no son muy adecuadas para lectores inexpertos, pues requieren de cierto grado de formación intelectual”(9). No quiero ser peyorativo ni algo peor, pero, seamos sinceros, los chilenos no somos ninguna lumbrera.

Siguiendo con la ergonomía: ¿cómo manipulan y reciben la información los usuarios? El tiro del mapa, principal herramienta informativa, nos entrega una maravillosa vista esquematizada del Gran Santiago. Aquí realmente se ve lo que rezaba el slogan: un cambio de cara de la ciudad, pero, ¿es completamente acertado el cambio, comunicacionalmente hablando? Yo entiendo que en aras de una correcta diagramación y composición de los nuevos elementos que se quieren informar, el aspecto topológico del territorio tuvo que ser también rediseñado, pero, ¿cómo entienden, o qué significado le asignan los usuarios a este nuevo elemento visual? “Cuando la realidad se esquematiza de un modo radical, la relación con esa misma realidad se pierde en la misma medida”(10). ¿Cómo perciben los usuarios, esta (supuesta) pérdida de realidad? ¿Cómo la percibían antes? ¿Es acaso, demasiado gráfica?, ¿Como hecha para personas con una formación intelectual superior? ¿para personas educadas en leer imágenes? ¿hecha para diseñadores?.

En el tiro converge la mayor cantidad de información referida a conceptos que si bien tienen, su homólogo en la realidad, son abstracciones de tomo y lomo: líneas de colores para representar recorridos, letras para las comunas, puntos para las estaciones, etc., y además, contiene información de nombres de calles, de comunas, números de recorridos, etc. Este tipo de información se encuentran en la mitad de la tabla propuestas por Liesbeth Zikkenheimer, que, bajo la categoría de aprendizaje, la califica como uno de los más largos de aprender, pues contiene “muchos símbolos y combinaciones de estos”. La información más precisa, sin embargo está explicada en el retiro, con un código de letras y números que explican los números de los buses y por donde pasan: una información más precisa y de corto aprendizaje, pero… ¿por qué en el retiro? Si bien es inmediato el acceso a este, ¿no debería ser lo primero en un sistema correcto de ergonomía de la información?

En la charla “El Diseño del Sistema de Información al Usuario de Transantiago”, ofrecida por Francisco Galvez, Sergio Ramirez, Rodrigo Ramirez en la FAU, hablaron de herramientas de evaluación, como encuestas y focus group, de apoyo multidisciplinar y de un proceso que si bien tuvo referentes y estudios, tuvo también su cuota de ensayo y error. Actuaron de investigadores y propusieron un sistema de información, pero quizás ocurrió algo similar a lo que relata Paul Mijksenaar en su libro “Diseño de la información”, donde la culpa de que nuestra sociedad no llegue a ver los resultados de investigaciones (científicas) en forma de diseño de información visual la tienen en un principio, los mismos investigadores, pues los informes que estos generan “acostumbran ser totalmente impenetrables para los profanos”(11). Esto es, dicho de otra manera, que los que generan la información la manejan completamente, y por ende, comprenden sus propuestas y las encuentran fabulosas, pero al ponerlas en práctica y entregárselas al usuario, resulta que no funcionan tan bien como se esperaba. "Son los propios diseñadores los que a veces, reducen el valor práctico de un producto al anteponer los criterios estéticos a los utilitarios"(12). De todos modos, esto es algo común y creo que a todos nosotros en nuestro desempeño como diseñadores nos ha ocurrido alguna vez, pero tenemos que lidiar sólo con la crítica del profesor, o del cliente… nunca de una ciudad completa.

¿Previeron factores como este los diseñadores (en todo nivel) de Transantiago? ¿Realmente se soluciona la transmisión de la información mediante una correcta ergonomía de esta? ¿Basta con categorizar comunas con colores, crear nuevos paraderos, crear una nueva tipografía que sea más legible en el ambiente urbano, con diseñar un mapa?

En resumen; en la concepción del sistema de información para Transantiago: ¿su forma sigue a su función, o su función sigue a su forma?

______________________________________
1. Owen, C., "Style, Styling and Design: Beyond Formalism" en: Design Processes
Newsletter, 1991, nº3 pp 7-10
2. Walter Gropius, 1926
3. Bevers, A.M., Vorm en Functie: Esthetiek van de sociale relaties, Intreede
Erasmus Universiteit, Rotterdam, 1991
4, 5, 6, 7, 8, 9. 10, 11, 12. Mijksenaar, Paul, Diseño de la Información,
Editorial GG, México, 2001, pp 6-10-17-18-30-31-41-46

Imágenes:
Mapa Transantiago, versión oficial 29/12/06 2007 [Descarga PDF]
Zikkenheimer, L. Beeldmateriaal en Buitenlandse vrouwen, La Haya, 1986

Algo sobre mi

2007-04-03T03:39:00.000-04:00

Parafraseando a ese gran tema de la legendaria banda Travoltta.

Imágenes que junto a Cuentos forman parte de un proyecto editorial que buscaba dar cuenta de la identidad del diseñador, o sea yo. Fue realizado en el primer semestre de 2006 para Taller Estrada.

Y con esto creo que acabo el material viejo, así que ultra obligado a producir.

Para verlas todas, apriete acá o en la imagen de arriba.

Cuentos

2007-04-02T03:56:00.001-04:00

Cuentos escritos por mi y utilizados el año pasado como parte de un trabajo de identidad

Creo que fue la última vez que usé brushes de Photoshop, antes de que me dieran alergia.

Ver el set acá

PatasNegras Dingbat + Pinceles

2007-04-01T05:00:00.000-04:00

Hola, este es el dingbat que hicimos con José y Jordi. Quise hacer la versión OTF pero se me cae Font Lab, lo que no es sorpresa, pues tuvimos miles de problemas generando el dingbat. Así que, por lo mismo, les recomiendo no utilizarlo en Word, pues da mucho jugo . En los demás programas, por lo que pudimos notar, funcionan bien.

Además les dejo el link para los pinceles para Photoshop de los mismos dingbats, quizás les sean más útiles.

Vaquero

2007-03-30T08:20:00.001-04:00

vaquero, originally uploaded by El Melkor.

Dale un descanso a la Helvetica

2007-03-26T02:19:00.000-04:00

Este es un artículo que apareció en FontShop. A groso modo, analiza y entrega alternativas a Helvetica, que, aunque rica y siempre "carta segura" (medio como la Arial), se le ha dado, da, y seguirá dando como caja.

Son buenos datos, especialmente si queremos que la superstar Helvetica nos dure otros 50 años.

Pd: después de un ajuste en el diseño de Cinco Cerdo Mono, he escogido como tipo para Mac la Helvetica, y para PC la Arial. ¿Inconsecuente? ni idea, pero hasta que pase la corrección de taller me iré a la segura jejeje.

El Cabeza de Abba

2007-03-26T01:36:00.001-04:00

El Cabeza de Abba, originally uploaded by El Melkor.

Jugo gráfico, o como dicen en Tallahassee, "grafic yus"

Rediseño Cartel Asimpres

2007-03-23T18:48:00.001-04:00

Rediseño Cartel Asimpres, originally uploaded by El Melkor.

El original tenía deficiencias, pero este no me convence mucho tampoco. De todos modos, ya no quiero seguir dándole más vueltas a este afiche.

Encuentro Latinoamericano de Folklore Antumapu

2007-03-23T16:09:00.001-04:00

Encuentro Latinoamericano de Folklore Antumapu, originally uploaded by El Melkor.

Cartel hecho en conjunto con Andrea Blanche y Manuel Pino.

Ver más grande acá

Ergo, Diseño

2007-03-23T15:54:00.001-04:00

Logo y papelería. Ver más en este link

El Hombre Elefante

2007-03-22T14:55:00.001-04:00

El Hombre Elefante, originally uploaded by El Melkor.

Afiche para obra de teatro. Hecho en el grupo de diseño "Primer Acto".

El capitán Barba #3F5263

2007-03-22T00:04:00.001-04:00

Ay la de un pirata es la vida mejor!

Lápiz 6B más Photoshop.

Conejo Roboc From Hell

2007-03-21T23:45:00.001-04:00

Conejo Roboc From Hell, originally uploaded by El Melkor.

Este es un mono hecho de las tres fotos anteriores.
Photoshop: brillo y contraste, cortar, pegar, mover, escalar, herramienta warp.

Gregorio Magno is full of shit {texto 2, Gombrich}

2007-03-21T02:41:00.000-04:00

Haciendo gala de una esquizofrenia controlada, voy a desdoblarme en alguien a quien no le parece tan fantástica la declaración del papa Gregorio Magno. Sólo para probar.

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Gregorio Magno dice que “para aquellos que no saben leer, la pintura es lo que son las letras para aquellos que sí saben leer”¹. Yo digo que eso no es ninguna novedad (ni siquiera a comienzos de la Edad Media), ni tampoco es ningún mérito que tenga la pintura como medio de representación visual. La imagen es un lenguaje inmediato, donde una gran cantidad de información se asimila e interioriza prácticamente al instante², y la humanidad lo utiliza desde incluso antes que la invención de la escritura (30.000 años)³. Nos olvidamos a veces que las letras son también imágenes que representan fonemas particulares, así como los kanji japoneses representan conceptos completos. Lo cierto es que todo es imagen en términos del lector, y es por eso que difiero con el papa cuando homologa la pintura y las letras para el analfabeto. Un lector de imágenes siempre va a poder leerlas (a menos que tenga algún defecto biológico) y siempre va a poder decodificarlas, comprenderlas como «esto es una imagen»; pero un escritor de imágenes es el verdadero responsable de que el lector lea éstas de manera correcta, es decir, que además de decodificarla, la entienda. No es, entonces, protagonista del proceso cognitivo de captar un nuevo conocimiento el que lee, ni tampoco lo que lee, ni cómo lo lee (en medios escritos, pinturas, mediante audio), sino que el protagonista es quien escribe y cómo lo escribe, pues en él recae la responsabilidad de comunicar el mensaje diáfana y efectivamente. El orador, el pintor, el fotógrafo, el diseñador.

Reformulo entonces los dichos del papa, o mejor dicho, los interpreto de otra manera: no se trata de saber o no leer, sino de saber o no escribir.

Fin de la esquizofrenia.

____________________
1. Los usos de las imágenes, de E. H. Gombrich, Fondo de Cultura Económica, México, 2003, pag. 230
2. Apuntes de Cátedra del profesor de Percepción I, Augusto Cabezas, Universidad de Chile. 2003.
3. Cómo El Arte Hizo al Mundo (How Art Made The World), BBC, 2005.

¿Mismo origen, mismo fin? {Texto 1, Parrasio}

2007-03-21T02:25:00.001-04:00

En un relato que puede parecerse más a un guión de película gore que a una práxis realizada por un maestro de la antigüedad como Parrasio, Séneca Padre narra el proceso de tortura de un prisionero de guerra adquirido por el pictor atheniensis para que le sirva de modelo para pintar un Prometeo. Advierten quienes lo rodean que Parrasio se está extralimitando, pero éste argumenta que es suyo y le pertenece por derecho. El clímax del relato llega cuando Parrasio encuentra la expresión de agonía que buscaba, justamente en la agonía ad portas de la muerte del viejo prisionero y le dice "Sie tene"¹ (Quédate así). Esto es bello, "es el dios detenido"², es una obra que trascenderá el tiempo y el pictor lo sabe, persigue esa grandeza, ese ethòs que hará que "los hombres entren en la memoria de los hombres"³. Parece un sacrificio pequeño con tal de representar a un dios como se debe.

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Hoy en día, esa práxis resulta impensable, desechada inmediatamente por el modo de vivir actual, condenada ferozmente por las leyes de Derechos Humanos y, (aunque obvio) para nada menor, por el sentido común. Pero es, quizás aún, anhelada en secreto. Es que nada hace más grande a la historia que se quiera contar, ya sea audiovisualmente, experiencialmente, mediante la palabra o mediante la imagen, que el sufrimiento que lo hace a uno ponerse en los zapatos del otro. Es Anakin Skywalker arrastrándose sin brazo ni piernas al borde del río de lava, gritándole a su Obi Wan Kenobi "¡te odio!". Es el pensamiento de un niño pequeño que al recibir una reprimenda, fantasea acerca de su propia muerte y su funeral, pensando "cuándo yo me muera, sabrán mis padres lo que es sufrir". Es Vicente Larrea matando un pájaro para tomarle una fotografía y hacer un cartel que pasará a la historia.

En febrero, vi un documental de la BBC llamado "Cómo el Arte Hizo al Mundo" ⁴, dirigido por Robin Dashwood, cuyo segundo capítulo ("El día en que nacieron las imágenes" ) trataba acerca de los albores de la pintura y llegaba hasta el momento en que el ser humano sabía que lo que estaba viendo era una pintura y no la realidad, por muy hiperrealista que la pintura fuese. Fue un gran paso el que dio, pues antes de eso, el concebir el concepto de bidimensionalidad en una imagen era simplemente inexistente, porque en la realidad no existe lo bidimensional. Sin embargo, mucho antes de ese paso, se producían imágenes. 30.000 años antes. ¿Cómo puede ser esto posible?

Los arqueólogos descubrieron en dos lugares muy alejados de Europa, diseños pictóricos rupestres con elementos en común. Uno dentro de una caverna, representaba animales de la zona pero que estaban intervenidos con tramas de círculos y retículas con polígonos prácticamente geométricos. El otro, no estaba en una caverna, sino en un acantilado, y representaba a un enorme bisonte con los pelos de punta, los ojos desorbitados y las piernas cruzadas, que estaba sujeto por la cola por una figura antropomorfa que compartía los rasgos del bisonte. Esta figura era "decorada" por diseños muy similares a los que se encontraron en la caverna.

El conductor del documental, Nigel Spivey, se dirigió hasta un centro de estudios neurológicos donde se había llevado a cabo un experimento visual en más de 1000 sujetos. Estos de ponían unos lentes especiales, una especie de antiparras con luces LED que se encendían y apagaban rítmicamente según le sindicara el operador que dirigía el experimento. Los sujetos observados permanecían con los ojos cerrados y describían las imágenes (muy similares, mi parecer a lo que Donis Dondis⁵ describe en "La Sintáxis de la imagen" como «post-imágenes») que se generaban en su mente. Estas imágenes eran sorprendentemente similares a las encontradas en los motivos de las pinturas rupestres, y aún más sorprendente era la similitud de las descripciones de los sujetos frente a iguales impulsos de luz. La conclusión era que esas imágenes están en la mente de todas las personas y salen a flote con los estímulos indicados.

Si pensamos en que los que pintaban en las cavernas estaban en un ambiente muy oscuro y que recibían estímulos de luz potentes cuando salían de las cuevas para hacer más pigmento o para descansar, entonces podríamos decir que estas imágenes aparecían ante sus ojos, como algo que no pertenecía a la realidad y que por lo tanto, debía corresponder a otro plano: al de la imaginería, a un plano donde no existe lo 3D. Pero ¿qué ocurre entonces con las pinturas encontradas en el acantilado? ¿a plena luz? pues la respuesta fue que también eran producto de la imaginería, pero por otros estímulos: las sustancias psicotrópicas que usaban los chamanes para entrar en trance. Eso explica por qué el bisonte, un animal con el que la tribu del acantilado convivía, aparecía compartiendo rasgos con la figura antropomorfa que lo sujetaba de la cola, rasgos que exhiben los bisontes cuando están muertos: el chamán estando en trance veía el bisonte y se relacionaba con el en un plano elevado, compartían un mismo impulso de vida, un mismo instante de muerte.

Esto se parece mucho a lo que dice Parrasio acerca de sus visiones nocturnae y cómo las imágenes se le aparecián en sueños, sabiendo entonces cómo debía retratar a Heracles: «Puede verse aquí al dios tal como a menudo, en las tinieblas de la noche, se me apareció en sueños»⁶.

¿Somos entonces, todos capaces de ser grandes creadores de imágenes? si éstas habitan en el cerebro de todos, esperando sólo el estímulo adecuado para liberarse, si las imágenes acuden a nosotros en estados de trance inconsciente, ¿seremos también capaces de abandonar la ética, como lo hizo Parrasio, en pos de un fin mayor?

1. "El sexo y el espanto", Pascal Quignard, Minúscula. Barcelona, 2005, pág 33
2. "El sexo y el espanto", Pascal Quignard, Minúscula. Barcelona, 2005, pág 42
3. "El sexo y el espanto", Pascal Quignard, Minúscula. Barcelona, 2005, pág 41
4. http://www.bbc.co.uk/sn/tvradio/programmes/howart/programmes.shtml
5. “La Sintaxis de la Imagen: Introducción al alfabeto visual", Donis A. Dondis, GG Diseño.
6. "El sexo y el espanto", Pascal Quignard, Minúscula. Barcelona, 2005, págs 32, 39

Hola!

2007-03-21T00:38:00.002-04:00

Mi nombre es Marcelo Moya Ochoa. Soy estudiante de diseño gráfico de la Universidad de Chile y creativo en la agencia Proximity Chile.

Si me quieres contactar, mis correos son:

Personal: lord_melkor@hotmail.com
Profesional: mmoya@proximity.cl

Saludos!
M.